Author: Patrick

La Colombe d’Or – Inn, Myth, Museum

When you stroll through the medieval village of Saint-Paul-de-Vence today, along the narrow streets, past galleries and bougainvillea-covered facades, a place of almost mythical status opens up at the end of the city wall: La Colombe d’Or. Neither a glamorous grand hotel nor a simple country inn, but a cross between the two – and at the same time a living museum where art and the art of living have been merging for almost a century.

The beginnings – Paul Roux and his “Golden Dove”

The establishment was opened in 1920 by Paul Roux, a former farmer’s son. Initially, it was a small café with just a few tables, which quickly became a meeting place for villagers and travelers. Roux, a man of charisma and warmth, knew how to attract people. Together with his wife Titine, he ran the establishment in a family atmosphere, where the food was simple, Provençal, and generous. Soon, painters and writers began to discover the Côte d’Azur for themselves – and found in the “Golden Dove” a refuge that was more than just an inn.

Artists as guests – from Picasso to Calder

After World War II in particular, La Colombe d’Or became a center for the avant-garde. Henri Matisse, who worked in Nice and Vence, is said to have stayed there, as did Marc Chagall, who settled in Saint-Paul. Georges Braque, Fernand Léger, and Joan Miró found their place here, as did Alexander Calder, who created the famous mobile sculpture tree in the garden.

According to legend, some artists paid their bills with drawings or canvases – not out of poverty, but as a spontaneous gesture. This resulted in a collection that still adorns the walls of the house today: a mosaic of handwriting, colors, and shapes that can be viewed almost casually over dinner.

The guest book as a chronicle

The guest book of La Colombe d’Or is less a register than a miniature chronicle of the 20th century. It contains dedications by Pablo Picasso, who left behind sketches of bullfighting scenes, and entries by Jacques Prévert, who lived in Saint-Paul for a long time and expressed his gratitude for the place in poetic words. The American writer James Baldwin, who found refuge in Provence, is also listed.

The entries oscillate between quickly jotted sketches—heads, lines, a few birds—and lyrical messages: Chagall wrote of the “blue air above the olives,” while Calder drew a balance of forms with just a few strokes. The guest book is a mirror of bohemian life: informal but full of intensity, a documented dialogue between guests and host.

Myth and continuity

What makes La Colombe d’Or unique to this day is the combination of everyday life and world art. Here, original works hang next to the kitchen, above the tables, on the staircases – not in a museum with white distance, but in the midst of life. You eat aioli or daube provençale under a Miró, you drink wine in the shadow of Léger’s bold colors.

Film stars and intellectuals also found their place here: Orson Welles, Yves Montand and Simone Signoret, Sophia Loren, later Roger Moore and Charlie Chaplin. In the 1950s and 60s, the establishment became a symbol of the blend of glamour and intimacy that characterized the Côte d’Azur.

To this day, La Colombe d’Or has remained family-owned and run by the descendants of Paul Roux. That’s what makes it so magical: it’s not a sterile hotel chain, but an organism that has grown over generations and remains true to itself.

Conclusion

La Colombe d’Or is more than a hotel or restaurant: it is a narrative woven from stone, color, and memory. Its historical development mirrors the evolution of art in the 20th century, and its guests represent the longing for a place where food, friendship, and art merge into one. The guest book remains the intimate heart of this story—a poetic archive that lifts the “golden dove” into the skies of cultural history.

in german:

La Colombe d’Or – Gasthaus, Mythos, Museum

Wenn man heute durch das mittelalterliche Dorf Saint-Paul-de-Vence schreitet, die engen Gassen entlang, vorbei an Galerien und Bougainvillea-bewachsenen Fassaden, öffnet sich am Ende der Stadtmauer ein Ort, der fast mythischen Rang besitzt: La Colombe d’Or. Weder ein mondänes Grandhotel noch ein schlichtes Landgasthaus, sondern eine Kreuzung aus beidem – und zugleich ein lebendes Museum, in dem Kunst und Lebenskunst seit fast einem Jahrhundert miteinander verschmelzen.

Die Anfänge – Paul Roux und seine „Goldene Taube“

Das Haus wurde 1920 von Paul Roux, einem ehemaligen Bauernsohn, eröffnet. Zunächst war es ein kleines Café mit wenigen Tischen, das schnell zu einem Treffpunkt für Dorfbewohner und Durchreisende wurde. Roux, ein Mann mit Charisma und Wärme, verstand es, Menschen anzuziehen. Mit seiner Frau Titine führte er das Haus in familiärer Atmosphäre, wo das Essen schlicht, provenzalisch und großzügig war. Schon bald begannen Maler und Schriftsteller, die Côte d’Azur für sich zu entdecken – und fanden in der „Goldenen Taube“ ein Refugium, das mehr war als ein Gasthaus.

Künstler als Gäste – von Picasso bis Calder

Besonders nach dem Zweiten Weltkrieg wurde La Colombe d’Or zu einem Zentrum der Avantgarde. Henri Matisse, der in Nizza und Vence arbeitete, soll ebenso eingekehrt sein wie Marc Chagall, der sich in Saint-Paul niederließ. Georges Braque, Fernand Léger und Joan Miró fanden hier ebenso ihren Platz wie Alexander Calder, der den berühmten mobilen Skulpturenbaum im Garten schuf.

Der Legende nach bezahlten manche Künstler ihre Rechnungen mit Zeichnungen oder Leinwänden – nicht aus Armut, sondern aus spontaner Geste. So entstand eine Sammlung, die bis heute die Wände des Hauses schmückt: ein Mosaik an Handschriften, Farben und Formen, das man beim Abendessen fast beiläufig betrachten kann.

Das Gästebuch als Chronik

Das Gästebuch von La Colombe d’Or ist weniger ein Register als eine Chronik des 20. Jahrhunderts in Miniatur. Darin finden sich Widmungen von Pablo Picasso, der skizzenhaft Stierkampfszenen hinterließ, oder Einträge von Jacques Prévert, der lange Zeit in Saint-Paul lebte und in poetischen Worten seine Dankbarkeit für den Ort notierte. Auch der amerikanische Schriftsteller James Baldwin, der in der Provence Zuflucht fand, ist verzeichnet.

Die Einträge oszillieren zwischen rasch hingeworfenen Skizzen – Köpfe, Linien, ein paar Vögel – und lyrischen Botschaften: Chagall schrieb von der „blauen Luft über den Oliven“, während Calder mit wenigen Strichen eine Balance von Formen zeichnete. Das Gästebuch ist ein Spiegel der Boheme: informell, aber voller Intensität, ein dokumentierter Dialog zwischen Gästen und Gastgeber.

Mythos und Kontinuität

Was La Colombe d’Or bis heute einzigartig macht, ist die Verbindung von Alltäglichkeit und Weltkunst. Hier hängen Originalwerke neben der Küche, über den Tischen, an den Treppenaufgängen – nicht wie in einem Museum mit weißer Distanz, sondern inmitten des Lebens. Man isst Aioli oder Daube provençale unter einem Miró, man trinkt Wein im Schatten von Légers kräftigen Farben.

Auch Filmstars und Intellektuelle fanden hier ihren Ort: Orson Welles, Yves Montand und Simone Signoret, Sophia Loren, später Roger Moore oder Charlie Chaplin. In den 1950er- und 60er-Jahren wurde das Haus zu einem Symbol für jene Mischung aus Glamour und Intimität, die die Côte d’Azur prägte.

Bis heute ist La Colombe d’Or in Familienbesitz geblieben – geführt von den Nachkommen Paul Roux’. Das macht seinen Zauber aus: keine sterile Hotelkette, sondern ein über Generationen gewachsener Organismus, der sich selbst treu bleibt.

Fazit

La Colombe d’Or ist mehr als ein Hotel oder Restaurant: Es ist eine Erzählung aus Stein, Farbe und Erinnerung. Seine historische Entwicklung spiegelt die Bewegung der Kunst im 20. Jahrhundert, seine Gäste repräsentieren die Sehnsucht nach einem Ort, an dem Essen, Freundschaft und Kunst zu einer Einheit verschmelzen. Das Gästebuch bleibt das intime Herz dieser Geschichte – ein poetisches Archiv, das die „goldene Taube“ in die Lüfte der Kulturgeschichte hebt.

15. September 2025
Nietzsche in Nice and Èze
Nietzsche in Nice and Èze – A Portrait

When Friedrich Nietzsche traveled to Nice in the winter of 1883/84, he was not only seeking the mild climate of the Côte d’Azur. He was seeking relief for his pain-ridden body, the rhythm of the sea, the clarity of the sky. What opened up for him here was more than just a “spa stay”: it was an aesthetic experience, a new topography of thought.

In a letter to his sister Elisabeth, he wrote from Nice:
“I have never seen such a sky, such brightness in the air, which lies like a light cloak over everything. Here one lives in a world of colors that gives birth not to intoxication but to clarity. Blue, the inexhaustible blue, permeates my entire thinking.”

This view is significant: Nietzsche sees in the colors of Nice not a decorative idyll, but an existential reinforcement. Unlike in Turin or Genoa, where winter always brought him heaviness and illness, Nice opens up the possibility for him to experience the body not as an enemy, but as a resonance chamber of perception. Here he does not speak contemptuously of the body, but recognizes it as part of that “great yes” that his philosophy seeks.

The road to Èze – philosophy on the move

From Nice, an old mule track leads along the coast up to Èze, the eagle’s nest above the sea. Nietzsche often walked this path. The steep steps, the shimmer of light on the olive leaves, the play of shadows and rocks accompanied him like a silent choir.

He notes:
“It is as if with every step you enter another world of thoughts. The ascent is difficult, but it resembles what thinking itself demands: difficulty in order to reach the heights.”

During these walks, the seed of that great unfinished work that would later become known as The Will to Power began to mature. Nietzsche’s notes from this period reveal a shift away from pure criticism of morality toward a philosophy of creation, of shaping, of “affirming life.”

For Nietzsche, the will to power was not an abstract metaphor. He understood it as the dynamic energy that drives all living things, not only the spirit, but also nature, colors, the power of the sea, which he felt so directly in Nice. The body was no longer a burden to be overcome, but the place where this power manifests itself.

Letters from a world of colors

In another letter to his sister, he writes:
“Here in Nice, one learns how easy life can be when it speaks only through colors. Everything is bright, not in the way of dazzling snow, but like the most delicate music.”

These words are not merely private enthusiasm. They mark a turning point: Nietzsche develops a way of thinking that affirms the richness of appearances, that does not despise the body but recognizes it as a mediator of experience. For him, the world of colors is not an illusion but an expression of a depth that constitutes life itself.

Nice as a place of affirmation

Thus, Nice becomes a symbolic place of affirmation for Nietzsche. The road to Èze, the Mediterranean light, the bright facades of the old town, the vastness of the sky—all this is not a backdrop, but an active part of his thinking. It shapes the tone that can later be described as the “Dionysian” aspect of his late work: a way of thinking that is born not of contempt, but of affirmative power.

The sea, the stones, the olive trees—they appear in his philosophy not as romantic scenery, but as allies. The concept of the will to power is not abstract here, but concrete: the sea shows it in its waves, the body in pain, the colors in their brilliance.

Conclusion

Nietzsche’s Nice is not a place of escape, but a space for thought. By walking the Côte d’Azur, by talking about colors in his letters, by experiencing the body as a resonance of the world, he opens up a new possibility for philosophy: a philosophy without contempt for the body.

On the path to Èze, high above the sea, it seemed as if his thoughts were connected to the light—as if philosophy itself had become a walk, a path on which thought seeks altitude step by step.

in german:

Nietzsche in Nizza und Èze – Ein Porträt

Wenn Friedrich Nietzsche im Winter 1883/84 nach Nizza reist, sucht er nicht allein das milde Klima der Côte d’Azur. Er sucht die Erleichterung für seinen schmerzgeplagten Körper, den Rhythmus des Meeres, die Klarheit des Himmels. Was sich hier für ihn eröffnet, ist mehr als ein bloßes „Kuraufenthalt“: es ist eine ästhetische Erfahrung, eine neue Topographie des Denkens.

In einem Brief an seine Schwester Elisabeth schreibt er aus Nizza:
„Ich habe noch nie einen solchen Himmel gesehen, eine solche Helle der Luft, die sich wie ein lichter Mantel über alles legt. Man lebt hier in einer Welt der Farben, die nicht den Rausch, sondern die Klarheit gebiert. Blau, das unerschöpfliche Blau, wie es mein ganzes Denken durchdringt.“

Dieser Blick ist bezeichnend: Nietzsche sieht in den Farben Nizzas nicht die dekorative Idylle, sondern eine existentielle Verstärkung. Anders als in Turin oder Genua, wo der Winter für ihn immer wieder Schwere und Krankheit brachte, öffnet Nizza ihm die Möglichkeit, den Leib nicht als Feind, sondern als Resonanzraum der Wahrnehmung zu erfahren. Hier spricht er nicht verächtlich vom Körper, sondern anerkennt ihn als Teil jenes „großen Ja“, das seine Philosophie sucht.

Der Weg nach Èze – Philosophie im Gehen

Von Nizza aus führt ein alter Saumpfad die Küste entlang hinauf nach Èze, das Adlernest über dem Meer. Nietzsche ging diesen Weg häufig. Die steilen Stufen, das Flimmern des Lichts auf den Olivenblättern, das Spiel von Schatten und Felsen begleiteten ihn wie ein stiller Chor.

Er notiert:
„Es ist, als ob man mit jedem Schritt in eine andere Welt von Gedanken trete. Der Aufstieg ist schwer, doch er gleicht dem, was das Denken selbst verlangt: Schwere, um zur Höhe zu gelangen.“

In diesen Spaziergängen reifte der Keim zu jenem großen unvollendeten Werk, das später unter dem Titel Der Wille zur Macht bekannt werden sollte. Nietzsches Aufzeichnungen aus dieser Zeit zeigen eine Bewegung: weg von der reinen Kritik an der Moral hin zu einer Philosophie der Schöpfung, des Gestaltens, der „Bejahung des Lebens“.

Der Wille zur Macht war für Nietzsche keine abstrakte Metapher. Er verstand ihn als jene dynamische Energie, die alles Lebendige antreibt, nicht nur den Geist, sondern auch die Natur, die Farben, die Kraft des Meeres, die er in Nizza so unmittelbar empfand. Der Leib war nicht mehr die Last, die man überwinden muss, sondern der Ort, an dem sich diese Macht zeigt.

Briefe aus einer Welt der Farben

In einem anderen Brief an seine Schwester findet sich der Satz:
„Hier in Nizza lernt man, wie leicht das Leben sein kann, wenn es nur durch Farben spricht. Alles ist hell, nicht in der Weise des blendenden Schnees, sondern wie die zarteste Musik.“

Diese Worte sind nicht bloß private Schwärmerei. Sie markieren einen Wendepunkt: Nietzsche entwirft ein Denken, das den Reichtum der Erscheinungen bejaht, das den Körper nicht verachtet, sondern ihn als Mittler der Erfahrung anerkennt. Die Welt der Farben ist ihm nicht Illusion, sondern Ausdruck einer Tiefe, die das Leben selbst ausmacht.

Nizza als Ort der Affirmation

So wird Nizza für Nietzsche zum symbolischen Ort der Affirmation. Der Weg nach Èze, das mediterrane Licht, die leuchtenden Fassaden der Altstadt, die Weite des Himmels – all dies ist kein Hintergrund, sondern aktiver Teil seines Denkens. Es prägt jenen Ton, den man später als das „Dionysische“ seines Spätwerks beschreiben kann: ein Denken, das nicht aus der Verachtung, sondern aus der bejahenden Kraft geboren wird.

Das Meer, die Steine, die Olivenbäume – sie treten in seine Philosophie nicht als romantische Staffage, sondern als Verbündete. Das Konzept des Willens zur Macht ist hier nicht abstrakt, sondern konkret: das Meer zeigt es im Wogen, der Körper im Schmerz, die Farben im Glanz.

Schluss

Nietzsches Nizza ist kein Fluchtort, sondern ein Denkraum. Indem er die Côte d’Azur ergeht, indem er in Briefen von den Farben spricht, indem er den Körper als Resonanz der Welt erfährt, öffnet er eine neue Möglichkeit der Philosophie: eine Philosophie ohne Verachtung des Leibes.

Auf dem Pfad nach Èze, hoch über dem Meer, schien es, als ob sich seine Gedanken mit dem Licht verbanden – als ob die Philosophie selbst zum Spaziergang geworden wäre, ein Weg, auf dem das Denken Schritt für Schritt die Höhe sucht.

Einige Originalzitate und ihre Bedeutung
1. Brief aus Genua, Ende November 1883 „[…] morgen geht es fort, meine Herzenslieben, ich will etwas Neues, nämlich Nizza, versuchen, denn Genua hat mir diesesmal nicht gutgetan. Auch war ich inzwischen hier zu bekannt geworden – ich konnte nicht mehr leben, wie ich wollte. Genua ist mir eine ausgezeichnete Schule harter, einfacher Lebensweise gewesen; ich weiß jetzt, daß ich wie ein Arbeiter und Mönch leben kann. […] Sobald ich mich fest für Nizza entschlossen habe, schreibe ich.“ Projekt Gutenberg Hier zeigt sich deutlich sein Sehnen nach Nizza, nicht nur als Ort körperlicher Erleichterung, sondern als Ort, an dem er „leben, wie er wollte“ kann – frei von dem Beklemmenden, das er in Genua empfand.
2. Brief an Schwester aus Nizza, 26. Januar 1887 „… bisher noch kein Stäubchen Schnee; und wenn auch die ferneren Berge um Nizza herum sich weiß gepudert haben, so möchte dies mehr unter die Toilettenkünste dieser südländischen Schönheit und Zauberin gehören als unter ihre Bösartigkeiten … Tatsächlich fehlt noch viel an der wirklichen Gesundheit; ich erinnere mich aber eines ganzen Nachmittags, wo ich mir gesund vorkam,…“ Projekt Gutenberg Dieses Zitat vermittelt, wie Nietzsche das milde Klima, das Licht und die Schönheit der Umgebung positiv erlebt – und wie diese Umgebung mit seiner Gesundheit, seiner Wahrnehmung und seinem Körperempfinden verbunden ist. Man merkt: Der Körper ist nicht Objekt der Verachtung, sondern Teil seiner Erfahrung.
3. Brief an Schwester, Nizza, „es wimmelt …“ (später Winter) „Die Tage kommen hier mit einer unverschämten Schönheit daher; es gab nie einen vollkommneren Winter. Und diese Farben Nizzas: ich möchte sie Dir schicken. Alle Farben mit einem leuchtenden Silbergrau durchgesiebt; geistige, geistreiche Farben; nicht ein Rest mehr von der Brutalität der Grundtöne. Der Vorzug dieses kleinen Stücks Küste zwischen Alassio und Nizza ist eine Erlaubnis zum Afrikanismus in Farbe, Pflanze und Lufttrockenheit: das kommt im übrigen Europa nicht vor.“ Projekt Gutenberg Das ist wohl einer der besten Belege dafür, wie Nietzsche die Farben und das Licht empfindet, wie er Nizza selbst als fast einzigartigen Erfahrungsraum malt. „Nicht ein Rest mehr von der Brutalität der Grundtöne“ – hier klingt durch, dass die Umgebung ihn sensibilisiert, lasst Körper und Sinne in positiver Weise wirken.
4. Brief vom 23. März 1887 „Ich wünsche etwas mehr Geld zu haben, so daß ich … eine eigene Küche haben könnte. … Es ist auch eine Sache des Stolzes: ich möchte ein Leben führen, das wirklich mir gemäß ist und nicht derartig schablonenmäßig erscheint …“ Projekt Gutenberg In diesem Zitat kommt heraus: Nietzsche wünscht sich Bedingungen, unter denen Leben und Leib in einem Einklang stehen, ohne fremde Zwänge, möglichst im Einklang mit eigenem Wesen. Auch das spricht gegen Verachtung des Leibes und für eine Philosophie, die Körper, Sinne und äußere Umgebung ernst nimmt.
15. September 2025
Renoir und Monet am Cap Martin
Renoir und Monet am Cap Martin – Ein Disput in Farben

Im Frühjahr 1884, als Auguste Renoir und Claude Monet gemeinsam auf eine Studienreise an die Côte d’Azur aufbrachen, war die Riviera noch weit entfernt vom mondänen Glanz, den sie wenige Jahrzehnte später ausstrahlen sollte. Zwischen Menton und Cap Martin herrschte eine eigentümliche Mischung aus Herbheit und Sanftheit: Olivenhaine, deren silbriges Laub im Wind zitterte, dunkelgrüne Pinien, die dem gleißenden Blau des Meeres scharf gegenüberstanden. Für beide Maler, die seit Jahren als führende Köpfe des Impressionismus galten, war es eine Landschaft, die das Licht selbst zum Gegenstand der Malerei erhob.

Am Zollweg oberhalb von Cap Martin, von wo der Blick weit nach Osten über Menton hinaus bis an die ligurische Küste reichte, stellten sie ihre Staffeleien auf. Renoir hatte sich nach seiner Reise nach Italien verstärkt auf eine klassischere, fast an Ingres erinnernde Bildsprache zubewegt, doch in seinen Darstellungen der Riviera entfaltete er wieder jene vibrierende Sinnlichkeit, die ihn berühmt gemacht hatte. Sein Gemälde Vue de Menton (1884) zeigt das Städtchen in einer Fülle warmer Farben, beinahe wie in einen Schleier mediterraner Glut getaucht.

Monet hingegen blieb in seiner Serie von Ansichten des Cap Martin – heute verstreut in Museen und Privatsammlungen – seinem Prinzip treu, das wechselnde Licht in nuancierten Schattierungen zu bannen. Dort erscheint das Meer nicht als eine feste, einmalige Farbe, sondern als unendliches Spektrum von Blau, Violett und Grün, je nach Tageszeit und Wetter.

Gerade diese Differenz führte zu einem leidenschaftlichen Disput. Renoir beharrte darauf, dass das Mittelmeer nicht in seiner Flüchtigkeit, sondern in seiner sinnlichen Beständigkeit eingefangen werden müsse. Für ihn war das Blau keine analytische Kategorie, sondern eine Umarmung, eine körperlich erfahrbare Wärme. Monet hingegen hielt entgegen, dass die Wahrheit in der unermüdlichen Beobachtung liege: im Flirren der Reflexe, im Spiel der wechselnden Wolken, im Atem des Windes über den Wellen.

So entstanden zwei Bilder vom gleichen Ort – beide zeigen den Zollweg mit Blick auf Menton, und doch könnten sie unterschiedlicher kaum sein. Renoirs Leinwand leuchtet in satten, warmen Tönen, als wolle sie die Riviera zum Fest machen. Monets Bild dagegen trägt die Handschrift der Flüchtigkeit: das Meer als lebendiger Organismus, der nie stillsteht.

In dieser Gegenüberstellung spiegelt sich nicht nur ein persönlicher Disput, sondern das ganze Spannungsfeld des Impressionismus. Während Renoir zunehmend eine Synthese aus klassischer Form und impressionistischer Farbe suchte, blieb Monet dem radikalen Experiment verpflichtet, das Licht in seiner momentanen Erscheinung festzuhalten. Dass beide 1884 am Cap Martin nebeneinander arbeiteten, lässt sich in ihren Werken nachweisen: Renoirs Vue de Menton und Monets Serie der Küstenansichten bilden bis heute einen faszinierenden Dialog zweier Temperamente.

So bleibt dieser Spaziergang am Cap Martin nicht bloß eine Episode, sondern ein symbolisches Bild. Auf dem schmalen Weg oberhalb des Mittelmeers verdichtete sich der Gegensatz zweier künstlerischer Haltungen zu einer produktiven Spannung. Die Côte d’Azur schenkte beiden ihre Wahrheit – die eine glühend und körperlich, die andere flüchtig und atmend. Und in der Summe beider Bilder lebt bis heute der Zauber dieser Landschaft fort, als Echo eines Disputs, der das Wesen der impressionistischen Malerei berührt.

Kunsthistorische Quellen & Standorte
1. Monet: Cap Martin, nahe Menton, 1884
  Dieses Gemälde befindet sich in der Sammlung des Museum of Fine Arts, Boston (USA). MFA Boston Custom Prints+1
  Dort ist es katalogisiert als „Cap Martin, near Menton, 1884“. MFA Boston Custom Prints
2. Renoir: Landscape on the Coast, near Menton, 1883
  Dieses Bild – ein früher Blick auf die Küste bei Menton – gehört ebenfalls zur Sammlung des Museum of Fine Arts, Boston. collections.mfa.org
  Maße: ca. 65,7 × 81,3 cm. collections.mfa.org
3. Renoir-Museum in Cagnes-sur-Mer
  Obwohl es eigentlich kein Standort für die Cap-Martin-Arbeiten selbst ist (soweit dokumentiert), enthält das Musée Renoir in Cagnes-sur-Mer Originalgemälde, Skulpturen, und das Atelier Renoirs, und ist damit ein bedeutender Ort, um sich mit Renoirs Werk und seinen späten Lebensjahren auseinanderzusetzen. Côte d’Azur Frankreich+1
Painting Claude Monet Cap Martin Menton
Painting Monet Cap Martin

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Painting Auguste Renoir, La Grenouillere
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15. September 2025
Klaus Mann in exile in Sanary

Café de Lyon, Sanary-sur-Mer

The afternoon sun cast a golden glow on the whitewashed walls of Sanary. The Café de Lyon, a meeting place for exiles, vibrated with voices at a semi-loud intensity, like a stage where everyone was aware of their role. The waiter scurried between the tables, glasses clinked, and in the distance, the Mediterranean Sea roared.

They sat gathered around a round marble table: Klaus Mann, slim, nervous, cigarette perpetually between his fingers; next to him, Eva Herrmann, the illustrator with the sharp gaze that captured faces like paper cutouts; her friend Sybille, who listened attentively; the eloquent Egon Erwin Kisch, the reporter who always seemed to bring a piece of the world with him; the couple Ludwig and Sascha Marcuse, the philosopher and his clever companion; and the Huxleys, Aldous with an ironic, almost absent smile, Maria at his side, who faced European dramas with quiet patience.

Klaus leaned forward, his dark hair falling into his face.
“It’s the pain of a summer,” he said quietly, “that won’t go away. We are all uprooted, all homeless, and yet – we carry within us the longing for a lost youth. I tried to capture this sadness in literature. But perhaps it was too raw, too direct.”

Eva Herrmann took a drag on her cigarette, letting the smoke rise in rings to the ceiling.
“Too direct? No, Klaus. Your pain was genuine. The only question is: is honesty enough when the world is on fire?”

Kisch laughed throatily.
“Oh, honesty is a luxury. What counts is attitude! You literati can lose yourselves in your pain—I bring the naked facts, the cries from the streets. Your Mephisto, Klaus, I see more attitude there: the masks of power, the corruption of the soul. That’s not just lamentation, that’s accusation.”

Aldous Huxley tilted his head, his voice sober and cool as glass:
“And yet the question remains: is Mephisto a warning – or a betrayal? You Germans write about the demons of your own stage, while the rest of Europe hesitates to name the impending catastrophe. The danger lies not only in the actor who sells himself, but in the audience that applauds.”

Sybille turned to him.
“But maybe that’s exactly it, Aldous—the actor as a mirror. When you recognize Gründgens, you recognize an entire generation that is willing to make compromises with the devil.”

Ludwig Marcuse, the philosopher, spoke deliberately, almost professorially:
“The character in Mephisto is not just the actor. He is an allegory. Anyone who makes a career in the Reich always sells their morals as well. The question, Klaus, is: have you created an epic—or a roman à clef? If it’s the latter, it will stick to the person. If it is the former, then it will outlive us.”

Klaus pressed his lips together, then nodded.
“I want to be both. A witness to history and an accuser. Personal and universal. Maybe I won’t succeed, maybe I’ll fall between two stools. But I can’t remain silent.”

Maria Huxley placed her hand lightly on Aldous’ arm, almost soothingly.
“Sanary is full of voices, full of books. And yet… do they hear the world outside? Maybe it takes both—the reporter, the poet, the analyst, the allegory. Maybe each of you is a piece of a greater truth.”

A gust of wind blew in from the harbor, rattling the awnings, bringing the smell of salt and seaweed. For a moment, they all fell silent, only the clinking of glasses and the distant laughter of other guests could be heard.

Then Kisch raised his glass.
“To pain, to the devil, to exile! And to the fact that at least here, in this little Café de Lyon, we have a little bit of freedom.”

Klaus looked around, and despite all the gloom, a smile flitted across his face.
“And to the hope that words are not entirely powerless.”

The glasses clinked. Outside, the sea was roaring.

in french:

Café de Lyon, Sanary-sur-Mer

Le soleil de l’après-midi donnait un éclat doré aux murs blanchis à la chaux de Sanary. Le Café de Lyon, lieu de rencontre des exilés, vibrait d’une intensité à demi-voix, comme une scène où chacun était conscient de son rôle. Le serveur se précipitait entre les tables, les verres tintaient et, au loin, la Méditerranée murmurait.

Ils étaient assis autour d’une table ronde en marbre : Klaus Mann, mince, nerveux, une cigarette constamment entre les doigts ; à côté de lui, Eva Herrmann, l’illustratrice au regard perçant qui saisissait les visages comme des silhouettes découpées ; son amie Sybille, qui écoutait attentivement ; Egon Erwin Kisch, le reporter éloquent, qui semblait toujours apporter avec lui un morceau du monde ; le couple Ludwig et Sascha Marcuse, le philosophe et sa compagne intelligente ; et les Huxley, Aldous avec un sourire ironique, presque absent, Maria à ses côtés, qui affrontait les drames européens avec une patience tranquille.

Klaus se pencha en avant, ses cheveux noirs tombant sur son visage.
« C’est la douleur d’un été », dit-il doucement, « qui ne passe pas. Nous sommes tous déracinés, tous sans patrie, et pourtant, nous portons en nous la nostalgie d’une jeunesse perdue. J’ai essayé de capturer cette tristesse dans mes écrits. Mais peut-être était-ce trop cru, trop direct. »

Eva Herrmann tira sur sa cigarette, laissant la fumée s’élever en volutes vers le plafond.
« Trop direct ? Non, Klaus. Ta douleur était sincère. La question est seulement de savoir si la sincérité suffit quand le monde est en flammes. »

Kisch rit d’un rire guttural.
« Oh, l’honnêteté est un luxe. Ce qui compte, c’est l’attitude ! Vous, les littéraires, vous pouvez vous perdre dans votre douleur – moi, j’apporte les faits bruts, les cris qui montent des rues. Ton Méphisto, Klaus, j’y vois davantage une attitude : les masques du pouvoir, la corruption de l’âme. Ce n’est pas seulement une plainte, c’est une accusation. »

Aldous Huxley inclina la tête, la voix sobre et froide comme du verre :
« Et pourtant, la question demeure : Méphisto est-il un avertissement ou une trahison ? Vous, les Allemands, vous écrivez sur les démons de votre propre scène, tandis que le reste de l’Europe hésite à nommer la catastrophe imminente. Le danger ne réside pas seulement dans l’acteur qui se vend, mais aussi dans le public qui applaudit. »

Sybille se tourna vers lui.
« Mais c’est peut-être justement cela, Aldous : l’acteur comme miroir. Quand on reconnaît Gründgens, on reconnaît toute une génération prête à faire des compromis avec le diable. »

Ludwig Marcuse, le philosophe, s’exprima posément, presque comme un professeur :
« Le personnage de Méphisto n’est pas seulement l’acteur. C’est une allégorie. Quiconque fait carrière dans le Reich vend toujours aussi sa morale. La question, Klaus, est la suivante : as-tu créé une épopée ou un roman à clés ? Si c’est le cas, cela restera lié à la personne. Si c’est le premier, alors elle nous survivra. »

Klaus serra les lèvres, puis acquiesça.
« Je veux être les deux. Témoin de mon temps et accusateur. Personnel et universel. Peut-être que je n’y parviendrai pas, peut-être que je tomberai entre deux chaises. Mais je ne peux pas me taire. »

Maria Huxley posa légèrement la main sur le bras d’Aldous, presque pour l’apaiser.
« Sanary regorge de voix, de livres. Et pourtant… entendent-ils le monde extérieur ? Peut-être faut-il les deux : le reporter, le poète, l’analyste, l’allégorie. Peut-être que chacun d’entre vous est un morceau d’une vérité plus grande. »

Une rafale de vent souffla depuis le port, secoua les auvents et apporta une odeur de sel et d’algues. Pendant un instant, ils restèrent tous silencieux, seuls le tintement des verres et les rires lointains des autres clients se faisaient entendre.

Puis Kisch leva son verre.
« À la douleur, au diable, à l’exil ! Et au fait qu’au moins ici, dans ce petit Café de Lyon, nous avons un peu de liberté. »

Klaus regarda autour de lui et, malgré toute sa mélancolie, un sourire effleura son visage.
« Et à l’espoir que les mots ne sont pas tout à fait impuissants. »

in german:

Café de Lyon, Sanary-sur-Mer

Die Nachmittagssonne legte einen goldenen Schimmer auf die weiß getünchten Mauern von Sanary. Das Café de Lyon, Treffpunkt der Exilanten, vibrierte von Stimmen in halblauter Intensität, wie eine Bühne, auf der jeder sich seiner Rolle bewusst war. Zwischen den Tischen huschte der Kellner, die Gläser klirrten, und in der Ferne rauschte das Mittelmeer.

An einem runden Marmortisch saßen sie versammelt: Klaus Mann, schlank, nervös, die Zigarette unentwegt zwischen den Fingern; neben ihm Eva Herrmann, die Illustratorin mit dem scharfen Blick, der die Gesichter wie Scherenschnitte erfasste; ihre Freundin Sybille, die aufmerksam lauschte; der wortgewaltige Egon Erwin Kisch, der Reporter, der immer ein Stück Welt mitzubringen schien; das Paar Ludwig und Sascha Marcuse, der Philosoph und seine kluge Gefährtin; und die Huxleys, Aldous mit einem ironischen, fast abwesenden Lächeln, Maria an seiner Seite, die den europäischen Dramen mit stiller Geduld entgegensah.

Klaus lehnte sich vor, das dunkle Haar fiel ihm ins Gesicht.
„Es ist der Schmerz eines Sommers,“ sagte er leise, „der nicht vergeht. Wir sind alle entwurzelt, alle heimatlos, und doch – wir tragen die Sehnsucht nach einer verlorenen Jugend in uns. Ich habe versucht, diese Trauer literarisch einzufangen. Aber vielleicht war es zu nackt, zu direkt.“

Eva Herrmann zog an ihrer Zigarette, ließ den Rauch in Ringen zur Decke steigen.
„Zu direkt? Nein, Klaus. Dein Schmerz war ehrlich. Die Frage ist nur: ob Ehrlichkeit ausreicht, wenn die Welt in Flammen steht.“

Kisch lachte kehlig.
„Ach, Ehrlichkeit ist ein Luxus. Was zählt, ist Haltung! Ihr Literaten könnt euch in eurem Schmerz verlieren – ich bringe die nackten Tatsachen, die Schreie aus den Straßen. Dein Mephisto, Klaus, da erkenne ich mehr Haltung: die Masken der Macht, die Korruption der Seele. Das ist nicht nur Klage, das ist Anklage.“

Aldous Huxley neigte den Kopf, die Stimme nüchtern und kühl wie Glas:
„Und doch bleibt die Frage: ist Mephisto eine Warnung – oder ein Verrat? Ihr Deutschen schreibt über die Dämonen eurer eigenen Bühne, während der Rest Europas zögert, die drohende Katastrophe zu benennen. Die Gefahr liegt nicht nur im Schauspieler, der sich verkauft, sondern im Publikum, das Beifall klatscht.“

Sybille wandte sich zu ihm.
„Vielleicht ist es aber gerade das, Aldous – der Schauspieler als Spiegel. Wenn man Gründgens erkennt, erkennt man eine ganze Generation, die bereit ist, Kompromisse mit dem Teufel einzugehen.“

Ludwig Marcuse, der Philosoph, sprach bedächtig, fast professoral:
„Die Figur im Mephisto ist nicht nur der Schauspieler. Sie ist Allegorie. Wer im Reich Karriere macht, verkauft immer auch seine Moral. Die Frage, Klaus, ist: hast du ein Epos geschaffen – oder ein Schlüsselroman? Wenn es Letzteres ist, bleibt es an der Person hängen. Wenn es Ersteres ist, dann wird es uns überdauern.“

Klaus presste die Lippen zusammen, dann nickte er.
„Ich will beides sein. Zeitzeuge und Ankläger. Persönlich und universal. Vielleicht gelingt es nicht, vielleicht falle ich zwischen die Stühle. Aber ich kann nicht schweigen.“

Maria Huxley legte die Hand leicht auf Aldous’ Arm, fast beschwichtigend.
„Sanary ist voller Stimmen, voller Bücher. Und doch… hören sie draußen die Welt? Vielleicht braucht es beides – den Reporter, den Dichter, den Analytiker, die Allegorie. Vielleicht ist jeder von euch ein Stück einer größeren Wahrheit.“

Ein Windstoß wehte vom Hafen herüber, rüttelte an den Markisen, brachte den Geruch von Salz und Tang. Für einen Moment schwiegen sie alle, nur das Klirren der Gläser und das ferne Lachen anderer Gäste war zu hören.

Dann hob Kisch sein Glas.
„Auf den Schmerz, auf den Teufel, auf das Exil! Und darauf, dass wir wenigstens hier, in diesem kleinen Café de Lyon, ein Stück Freiheit haben.“

Klaus sah in die Runde, und trotz aller Schwermut huschte ein Lächeln über sein Gesicht.
„Und auf die Hoffnung, dass Worte nicht ganz machtlos sind.“

Die Gläser stießen an. Draußen brandete das Meer.

12. September 2025
Walter Bondy – Fotograf des Exils
Walter Bondy – Fotograf des Exils und Chronist von Sanary

Wenn man an die Exilorte der europäischen Intellektuellen in der Zwischenkriegszeit denkt, erscheint Sanary-sur-Mer wie ein leuchtender Punkt an der südfranzösischen Küste: ein Hafenstädtchen, das sich unversehens in eine provisorische Hauptstadt der deutschsprachigen Kultur verwandelte. Unter den Schriftstellern, Musikern und Künstlern, die hier Zuflucht suchten, befand sich auch Walter Bondy, ein Mann, der die Krise seiner Epoche nicht nur durchlebte, sondern sie mit der Kamera dokumentierte.

Bondy, 1880 in Prag geboren, entstammte einer assimilierten jüdischen Familie. Schon früh stand er im Bann der Kunst: zunächst als Maler, später als Kunstkritiker, Sammler und Händler. In Wien und Berlin zählte er zu jenen Figuren, die die Moderne befeuerten, ohne sich selbst ganz ins Rampenlicht zu stellen. Sein Werk oszillierte stets zwischen eigenem künstlerischem Ausdruck und der Vermittlung anderer – ein Dasein als Mittler, Beobachter, Chronist.

Mit dem Machtantritt der Nationalsozialisten musste Bondy Deutschland verlassen. Seine Flucht führte ihn nach Frankreich, wo er sich in Sanary-sur-Mer niederließ – jenem Ort, den Lion Feuchtwanger das „Hauptquartier der deutschen Literatur“ nannte. Hier lebten und arbeiteten Thomas Mann, Arnold Zweig, Franz Werfel, Alma Mahler-Werfel, die Feuchtwangers, die Kracauers und viele andere. Bondy aber nahm eine Sonderrolle ein: nicht als gefeierter Schriftsteller, sondern als Fotograf, der das Leben der Exilanten mit stillem, zugleich unbestechlichem Blick festhielt.

Die Fotografie wurde für Bondy im Exil zum eigentlichen Medium der Existenz. In einer Welt, in der Sprache, Publikationsmöglichkeiten und Märkte von der Diktatur abgeschnitten waren, konnte die Kamera Brücken schlagen. Seine Porträts zeigen nicht nur Gesichter, sie spiegeln auch die Fragilität einer ganzen Generation, die auf gepackten Koffern lebte, heimatlos zwischen den Fronten einer sich verdüsternden Weltgeschichte.

Bondys Atelier in Sanary war kein glamouröses Studio, sondern eher eine improvisierte Werkstatt. Doch dort gingen viele der großen Namen des Exils ein und aus. Seine Aufnahmen wirken unprätentiös: Sie verzichten auf Inszenierung und suchen die Nähe zur Person. In den Gesichtern von Schriftstellern und Künstlern, die alles verloren hatten außer ihrer geistigen Stimme, wird die Spannung zwischen innerer Würde und äußerer Unsicherheit greifbar.

Dabei war Bondy selbst keineswegs nur der dokumentierende Außenstehende. Auch er lebte im Modus des Provisoriums, im ökonomischen Mangel, im ständigen Bewusstsein der Unsicherheit. Sein fotografisches Werk ist deshalb nicht nur Abbild einer Exilgemeinschaft, sondern auch Ausdruck einer eigenen existentiellen Lage. Der Fotograf des Exils war zugleich ein Exilant, dessen Kamera sein Überlebensinstrument wurde.

In Sanary, diesem paradoxen Paradies, das Sonne und Weinreben bot, während in Deutschland Bücher verbrannt wurden, entstand so ein Bildarchiv, das heute zu den kostbaren Zeugnissen jener Epoche zählt. Bondys Porträts sind nicht nur ästhetisch überzeugend; sie sind auch historische Dokumente, Spiegel einer verlorenen Welt.

Tragisch bleibt, dass Bondy wie viele andere nie wirklich Fuß fassen konnte. Nach 1940 verschärfte sich die Lage der Emigranten auch in Frankreich, Internierungslager und Flucht wurden zur bitteren Realität. Bondy selbst starb 1940 in Toulon, geschwächt und entwurzelt, kaum beachtet von einer Welt, die bereits im Krieg versank.

Doch sein Vermächtnis ist unübersehbar: Walter Bondy hat die Gesichter des Exils bewahrt. In seiner Arbeit verschränken sich Kunst und Dokumentation, persönliches Schicksal und kollektives Gedächtnis. Wer heute seine Aufnahmen betrachtet, sieht nicht nur Schriftsteller, Musiker oder Künstler – man sieht den Abdruck einer ganzen Kultur, die im Süden Frankreichs noch einmal aufblühte, bevor sie von Verfolgung und Vernichtung überschattet wurde.

Die Porträts – Gesichter einer verlorenen Welt

Bondys Fotografien aus Sanary sind heute unschätzbare Dokumente. Sie zeigen die Exilanten nicht als Denkmalfiguren, sondern als Menschen in einer fragilen Gegenwart:
- Lion Feuchtwanger porträtierte Bondy mit einem wachen, beinahe skeptischen Blick – der Schriftsteller, der in Frankreich zwar noch eine Stimme hatte, aber schon ahnte, dass er erneut fliehen musste.
- Alma Mahler-Werfel erscheint in seinen Bildern nicht als glamouröse Muse, sondern ernst, fast streng – eine Frau, die in ihrer Biografie mehr Brüche vereinte als viele andere.
- Franz Werfel zeigt er mit müden Augen, in einem Moment der Stille zwischen schöpferischem Furor und innerer Erschöpfung.
- Auch Arnold Zweig und Ernst Toller hat Bondy festgehalten: Männer, die ihre literarische Autorität bewahren wollten, während ihr Alltag von Unsicherheit, ökonomischer Not und der Angst vor Internierung bestimmt war.
Diese Aufnahmen verzichten auf spektakuläre Inszenierung. Bondy suchte nicht die Pose, sondern das Gesicht selbst, die kleine Regung, den Ausdruck zwischen Hoffnung und Sorge. Seine Bilder sind keine bloßen Künstlerporträts, sondern Zeugnisse einer Gemeinschaft im Übergang, die im Süden Frankreichs für einen kurzen Moment Atem schöpfte.

Sanary, Nizza, Marseille, Los Angeles – Orte des Exils im Vergleich

Um Bondys Bedeutung zu verstehen, lohnt der Blick auf die Geografie des Exils:
- Sanary-sur-Mer war ein Ort der Nähe: klein, überschaubar, fast dörflich. Hier kannten sich die Exilanten, sie begegneten sich täglich am Hafen, beim Einkauf, in den Cafés. Bondys Fotografien leben von dieser Intimität.
- Nizza und die Côte d’Azur boten hingegen mondänere Rückzugsräume. Hier versammelte sich eine kosmopolitische Gesellschaft aus Künstlern, Politikern, Diplomaten. Die Distanz zwischen den Exilanten war größer, ihre Sichtbarkeit höher.
- Marseille wurde ab 1940 zum Transitort, chaotisch, gefährlich, geprägt von Flucht und Rettungsversuchen. Hier dominierten Pässe, Visa, Schiffstickets, nicht die Kontemplation.
- Los Angeles schließlich, oft „Weimar am Pazifik“ genannt, wurde für viele zum dauerhaften Exil: Dort entstand eine deutschsprachige Parallelkultur, in der Schriftsteller, Musiker und Intellektuelle eine zweite Heimat fanden.
Bondy aber blieb in Sanary. Und gerade das macht seine Bilder einzigartig: Sie zeigen den kurzen Moment, in dem die Exilanten noch nicht zerstreut waren, sondern eine Gemeinschaft bildeten. Ein Vorspiel zur Flucht, eingefroren im Licht Südfrankreichs.

Vermächtnis

Heute gelten Walter Bondys Fotografien als unschätzbare Zeugnisse des Exils. Sie erinnern daran, dass Kulturgeschichte nicht nur in Büchern geschrieben wird, sondern auch in Gesichtern. Bondy hat jene festgehalten, die die deutsche Kultur ins Exil trugen, bevor sie sich über Kontinente verstreute.

Er selbst blieb eine Randfigur, starb vergessen – und doch verdankt ihm die Nachwelt ein visuelles Gedächtnis dieser Epoche. In seinen Bildern verbinden sich die persönliche Erfahrung des Flüchtlings mit dem Blick des Künstlers. Sanary lebt in ihnen fort: als Ort der Verlorenen, der Schaffenden, der Wartenden.

Walter Bondy – Fotograf des Exils: ein Mann, der mit der Kamera die Würde jener bewahrte, die fast alles verloren hatten.
11. September 2025
The Salon of Economics
The Salon of Economics

A play in five scenes

Characters

David Ricardo – sober theorist, speaks concisely, emphatically, almost like a maths teacher
- Karl Marx – passionate, boisterous, with powerful gestures
- Thomas Robert Malthus – sombre, solemn, with the tone of a preacher
- John Stuart Mill – calm, conciliatory, clear and moral
- Alfred Marshall – analytical, level-headed, with an instructive tone
- John Maynard Keynes – elegant, ironic, moves casually, almost dance-like
- Schumpeter, Hayek, Sismondi – hecklers, designed as a chorus
Stage design

A Victorian salon: dark wood panelling, heavy curtains, a log fire, globe, leather armchairs. Manuscripts, quills and glasses of wine lie on the tables. The light is warm, dominated by candles and the fireplace.

Scene I – The cloth and the wine

Stage direction: Ricardo stands by the globe, cane in hand. He speaks without making eye contact, staring at the map as if it were an equation. Marx sits restlessly, drumming his fingers, ready to explode.

Ricardo (dryly, with clear emphasis, pointing with his cane):
England – cloth. Portugal – wine. Exchange. Advantage for both. It’s that simple.

Marx (jumps up, voice loud, gestures widely):
That simple? You forget the worker! He spins the cloth, he presses the wine – and starves. Your mathematics is a veil over blood and sweat.

Malthus (rises slowly, speaks solemnly, both hands raised like a preacher):
You argue about bread and wine, but hunger remains. The population is growing faster than food supplies. Misery is no accident, it is a law of nature.

Stage direction: Silence. Only the crackling of the fireplace. The characters look down at the floor, shocked.

Scene II – Hope and Illusion

Mill (steps forward, calm, palms open to the audience):
Mr Malthus, you paint too bleak a picture. Progress is possible. Education, institutions, democracy – they can alleviate poverty.

Marx (cutting, pointing his finger at Mill):
Alleviate, yes – but never cure. You polish chains, Mr Mill. But chains remain chains.

Marshall (stands up slowly, speaks like a lecturer, hands clasped behind his back):
The market is not a machine. It thrives on habits, trust, human psychology. We economists must understand people – not just numbers.

Stage direction: Mill nods thoughtfully, Marx snorts contemptuously, Malthus turns away as if he does not want to hear the conversation.

Scene III – The gentleman with the sherry

Stage direction: Suddenly, a door opens. A beam of light falls on Keynes, who casually enters with a glass of sherry. He walks slowly to the fireplace as if he were in his own home.

Keynes (ironically, voice slightly playful):
Oh, the voices of the 19th century! I come from the 20th – wars, stock market crashes, armies of unemployed. Believe me: markets do not heal. Without the state: ruin.

Ricardo (stamps his cane on the floor, indignant):
And you believe civil servants can calculate better than markets?

Keynes (takes a sip, leans back relaxed against the fireplace):
Not better at calculating – but at acting when inaction kills. During the Depression, waiting didn’t help, only intervention did. The state – the doctor of capitalism.

Marx (laughs bitterly, raises both arms):
A doctor who nurses the disease! Mr Keynes, you are not the healer – you are the personal physician of dying capital.

Stage direction: Keynes smiles charmingly, as if he has heard the accusation a thousand times before.

Scene IV – The hecklers

Stage direction: Light on the second row, where three figures are sitting. They speak alternately, sometimes all at once.

Schumpeter (almost ecstatic, arms spread wide):
You talk of balance! But capitalism is destruction – creative destruction! The entrepreneur tears down the old and creates the new.

Hayek (cutting, with raised index finger):
And woe betide the state that believes it can control this chaos. Planning is presumption. Freedom is order – even if it looks like chaos.

Sismondi (quietly, pleadingly, stepping forward):
But who protects the people who are drowning in chaos? Without morality, your market will become a slaughterhouse.

Scene V – The Echo

Stage direction: Everyone steps forward into a semicircle. Each calls out their line into the darkness of the auditorium, first individually, then overlapping, until a chorus emerges. The light flickers, the fireplace goes out.

Ricardo (loud, authoritative): Trade is reason!
Marx (thundering): Capital is domination!
Malthus (gloomy, solemn): Nature is limitation!
Mill (clear, moral): Reform is duty!
Marshall (calm, analytical): Markets are organisms!
Keynes (ironic, almost dance-like): The state is doctor!
Schumpeter (enthusiastic): Destruction is creation!
Hayek (sharp): Freedom is chaos!
Sismondi (pleading): Morality is necessity!

Stage direction: The voices overlap, become louder, chaotic, then abruptly silent. Only a faint echo remains. The lights go out.

Curtain.

KK

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9. September 2025

Author: Patrick

La Colombe d’Or – Inn, Myth, Museum

The beginnings – Paul Roux and his “Golden Dove”

Artists as guests – from Picasso to Calder

The guest book as a chronicle

Myth and continuity

Conclusion

La Colombe d’Or – Gasthaus, Mythos, Museum

Die Anfänge – Paul Roux und seine „Goldene Taube“

Künstler als Gäste – von Picasso bis Calder

Das Gästebuch als Chronik

Mythos und Kontinuität

Fazit

Nietzsche in Nice and Èze

Nietzsche in Nice and Èze – A Portrait

The road to Èze – philosophy on the move

Letters from a world of colors

Nice as a place of affirmation

Conclusion

Nietzsche in Nizza und Èze – Ein Porträt

Der Weg nach Èze – Philosophie im Gehen

Briefe aus einer Welt der Farben

Nizza als Ort der Affirmation

Schluss

Einige Originalzitate und ihre Bedeutung

Renoir und Monet am Cap Martin

Kunsthistorische Quellen & Standorte

Painting Claude Monet Cap Martin Menton

Painting Auguste Renoir, La Grenouillere

Klaus Mann in exile in Sanary

Café de Lyon, Sanary-sur-Mer

Walter Bondy – Fotograf des Exils

Walter Bondy – Fotograf des Exils und Chronist von Sanary

Die Porträts – Gesichter einer verlorenen Welt

Sanary, Nizza, Marseille, Los Angeles – Orte des Exils im Vergleich

Vermächtnis

The Salon of Economics

Characters

Stage design

Scene I – The cloth and the wine

Scene II – Hope and Illusion

Scene III – The gentleman with the sherry

Scene IV – The hecklers

Scene V – The Echo